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Urabá Conexión: En busca de la tierra prometida

El colectivo musical rescata la vibrante tradición musical del Caribe colombiano con la fusión de ritmos urbanos.

por Betty Aguirre-Maier
Entremares Magazine

 

Cortesía de Urabá Conexión
Cortesía de Urabá Conexión

Urabá, “tierra prometida” en lengua katía, es un territorio lleno de contrastes, y no es para menos. Un cruce de caminos entre el Pacífico, el Atlántico y tierra panameña, esta región ha sido hogar de grupos indígenas como los kuna y los emberá katío y un obligado paso de migrantes. Con una tradición vibrante y dinámica, forjada por su composición multiétnica y pluricultural, Urabá también ha sufrido de los estragos del conflicto armado que ha azotado a Colombia durante más de medio siglo.

Es en esta paradójica tierra donde nace el colectivo musical Urabá Conexión, un proyecto que busca resaltar la riqueza musical de Urabá y promover la paz a través del arte, según su líder Juan Henao.

Las semillas de este proyecto, de hecho, empezaron a germinar a cientos de kilómetros de Urabá, en Bogotá, donde Henao realizó sus estudios musicales. Después de nueve años en la capital colombiana, Henao decidió regresar a su ciudad natal de Carepa, en el departamento de Antioquia, para armar un estudio de grabación desde el cual fomentar y proyectar la tradición y el talento musical de la zona.

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Cortesía de Urabá Conexión

 

Y es que para Henao, la posición geográfica de Urabá tiene tanto aspectos positivos como negativos. La porosidad costera ha permitido la llegada rampante de géneros musicales como el reggaetón que tienden a relegar la música tradicional de la zona, pero que también presentan la posibilidad de fusión e hibridez. Así, en manos de Urabá Conexión, el reggaetón se fusiona con, por ejemplo, el bullerengue (un género de danza y música cumbia predominante en la zona del Darién panameño y el Caribe colombiano). El objetivo es simple, dice Henao: “[crear] un ritmo que incluya las varias culturas que convergen en la zona”.

El video “Las cruces”, dirigido por la realizadora audiovisual Simona Malaika y presentado en esta edición de Entremares Magazine, es un acertado intento por mostrar al mundo “la cotidianidad de la región”, la geografía y las tradiciones que los une e identifica. Pero más allá de este intento didáctico, Urabá Conexión quiere despojar a la región de la imagen de violencia formada durante años de conflicto armado y devolverle la calidez y riqueza que tuvo en un tiempo.

[alert type=»yellow»]Urabá Conexión El colectivo musical Urabá Conexión está integrado por: Carolina Peralta, cantante; John F. Garcés, rapero; Carlos M. Henao, bajista; Mauricio Chaljub, trompetista; Jorge E. Chica P., saxofonista; Javier Reales N., percusionista; Mauricio Araya S., DJ; Roni Valdez C., artista invitado; y, Juan Henao (Juan Nativo), baterista, productor y director.[/alert]

IMG_9565Juan Henao (Caracoli, Colombia, 1983). Músico, percusionista y productor musical, director del colectivo Urabá Conexiòn. A los 15 años empieza su carrera musical en el municipio antioqueño de Carepa. Estudió música con la Sinfónica Juvenil de Colombia y cursó algunos semestres de producción musical en la universidad de San Buenaventura. En 2012 inicia el proyecto de rescate de la música tradicional de la zona, el bullerengue, con el grupo Bananeras de Urabá de Turbo, Pabut. Como complemento de este proceso funda su sello musical Nativo Records.

‘Ernesto’: Una historia sobre crecer

El mediometraje explora la juventud — sus andares, desafíos y pérdidas.

[show_hide title=»Melina Wazhima«]Melina Wazhima es cineasta y catedrática de la carrera de cine de la Universidad de Cuenca.[/show_hide]

“Ernesto” y su autor comparten la juventud y, con ella, cuestionamientos propios de esa etapa de la vida: la independencia familiar y la búsqueda de los horizontes que dibujarán su vida adulta. Tal vez por esto, este mediometraje salido de las aulas de la carrera de cine de la Universidad de Cuenca (Ecuador), propone un aura de honestidad y cercanía, que da fe de la importancia, tantas veces señalada por autores de textos narrativos y cinematográficos, de hablar sobre lo que se conoce.

“Ernesto” es una historia sobre descubrir cuál es el siguiente paso, “Ernesto” es una historia sobre crecer. Historia contada infinitas veces pero que guarda la virtud de hacer suyo un entorno social y geográfico bien conocidos por el autor, el de una pequeña ciudad de la sierra andina, cuyo horizonte natural está marcado por montañas de mediana altitud que la rodean como invitando a vivir casa adentro, sin la tentación de buscar más allá; y una familia sobreprotectora —representada en la madre— a la que le cuesta aceptar el abandono del nido.

El resultado, lejos de un paisaje localista, se revierte en la empatía que el espectador puede sentir a través de un sencillo proceso de identificación con la experiencia de un joven que se vuelve adulto; proceso que la mitad de los espectadores ya hemos vivido, y la otra mitad, probablemente, esté sumergida en él. Es por tanto, un cortometraje sin miedo a asentarse en su propio universo —el geográfico, el sociológico y el generacional— obsequiándonos de esa manera, un relato con elementos y paisajes singulares, sospecho autobiográficos por momentos, pero en la que el autor consigue no sobreponer su propia historia a la del personaje.

El director Francisco Álvarez, de 22 años, altamente interesado en la investigación de las narraciones desdramatizadas, ensaya en “Ernesto” tonalidades y tesituras que sin duda piden maduración y ser juzgadas con mayor distancia, así como una valoración más mesurada de lo trascendental y lo que no lo es. Pero, con “Ernesto”, ya se permite entrever una voz que, junto con otras en formación, aporta miradas y discursos desde una ciudad que apenas ha tenido presencia cinematográfica.

Francisco AlvarezFrancisco Álvarez Ríos (Cuenca, Ecuador, 1991) Actualmente cursa el último año de la carrera de Cine en la Universidad de Cuenca. Integrante del Grupo de Cine Banal Necio, que propone un brote de experimentación en el audiovisual. En 2010 realiza su primer cortometraje “De Pie”. En 2012 realiza su segundo cortometraje de ficción “Ernesto”, que participó en varios festivales a nivel nacional. Ha colaborado en varios cortometrajes documentales y de ficción como asistente de dirección, sonidista y director de arte.

Tres vistazos a ‘Cotá’

El cortometraje en los ojos de una crítica, un director y un actor.

La crítica: Rosalía Vazquez Moreno

El ser humano es un animal simbólico. La significación diaria que le otorgamos a nuestras acciones o a los objetos que nos rodean es la que nos permite sobrevivir nuestra pequeñez y sobrellevar (en cierto modo) la muerte. Cuando Constantino significa a la rutina de su “miércoles doloroso” como una alegoría de resurrección nostálgica en su pequeña guerra contra el vacío, estará ejerciendo ante nosotros la más pura humanidad y la más dolorosa cura ante la muerte: el recuerdo.

“Cotá” es un acercamiento sutil y maravilloso a la intimidad, a lo más profundo de la soledad y nostalgia. Sus múltiples planos de detalle nos permiten no sólo mirar de cerca lo meticuloso del rito, sino también experimentar una ausencia leve e infinita. En “Cotá” Cristian Maldonado y Jaime Terreros juegan con lo difícil de la nostalgia y lo cotidiano del vacío, lo que resulta en una pieza ciertamente conmovedora. No podemos limitarnos a hablar de la pérdida para referirnos a este corto, porque lo que importa no es la pérdida en sí misma, sino el vacío, y  “Cotá” es justamente eso, una oda para los que se quedan, una oda para el vacío.

El director: Camilo Luzuriaga

“Cotá” se luce, ante todo, por la fotografía. El corto toma como escusa el recorrido de su único personaje por su casa, sus calles y su cementerio, para desplegar un ojo ávido de visualidad. No por casualidad fue filmado en una casa de escenografías y texturas apetitosas, y en el antiguo cementerio de la ciudad de esculturas impactantes y nichos significativos. Los encuadres y la luz están bien resueltos.

No así la acción. Desde el guión mismo, el monólogo priva al actor del recurso de la interacción con otro actor, lo que debilita o inhibe su capacidad de accionar, y que conduce al actor a realizar una serie de desplazamientos, actividades y acciones que aparecen como estrictamente físicas, sin evidencias de acciones verdaderas que lo motiven. El actor aparece, por tanto, como movido por la necesidad del argumento, y no por motivaciones verdaderas y profundas.

¿De dónde viene Cotá cuando llega a su casa? ¿Viene por rutina? ¿Si fuese así, por qué se trasviste? ¿Es otro acto rutinario, al igual que la visita al cementerio? ¿Lo hace todos los días? ¿Qué significa su trasvestimiento?

El corto merecería un remake, un volver a hacerlo, para aprender de los errores y de los aciertos. El guión, la actuación y la puesta en escena tendrían que comprometerse al nivel de la fotografía.

 El actor: Gonzalo Gonzalo

Todo en un ritual, en una ceremonia que se repite indefinidamente en el tiempo. Eso que nos mantiene apegados, entre otros, a nuestros recuerdos y a nuestra propia esencia, que nos blinda con su valor simbólico e intimismo frente a lo aplastante de la realidad.  Eso es Cotá.

Jaime Terreros nos ofrece, en lo que probablemente sea su primera interpretación relevante, un fragmento de vida, intuyo que casi propia (guionista, actor y co-director), perteneciente a un hijo y su madre, ya ausente. Pleno de detalles, Cotá muestra, a través de rituales aprehendidos, el nunca desaparecido cordón umbilical con su ser querido. Tiende su cama, pone su música, huele su madeja de hilo, coloca su collar en la imagen de la virgen y prende las velas a sus pies. Para finalmente llegar, a través de su otra personalidad, la escondida, la encerrada, la vedada a los demás, a la plena y total comunicación con su madre.

Hondo, cercano, delicado, solitario, metódico, sobrio, detallista, dual, ese es el personaje de Cotá. Eso es lo que nos da Jaime Terreros en Cotá.

Jaime Terreros

Terry(Cuenca, Ecuador, 1961) estudió la carrera de Geografía en la Universidad de Cuenca. Actualmente se encuentra estudiando en el Programa de Cine de la Universidad de Cuenca (Procine). En su primer año en Procine rueda su primer cortometraje llamado “Baja noche” y participa en varios proyectos colaborando con la producción, hasta que llega a filmar e interpretar su cortometraje “Cotá”.

Cristian Maldonado

Cristian Maldonado(Cuenca, Ecuador, 1980) estudió la carrera de Producción y Dirección de Televisión en la Universidad del Azuay. Actualmente estudia en el Programa de Cine de la Universidad de Cuenca (Procine). También ha incursionado en otras artes como la pintura. Rodó un cortometraje de bajo presupuesto llamado “Oda para Abril” pero es cuando dirige “Democracy is on the wire” que entra de lleno dentro del panorama audiovisual de la ciudad de Cuenca.

“Cotá” corto participó en el Festival de Cine “”La Lira” en Cuenca, Ecuador.

Música: Balada Preludio

El pianista colombiano David Reyes Henao hace un viaje musical a través de la inocencia y la confrontación de los sentimientos.

Balada Preludio” es una obra que tiene un tema principal sencillo y romántico, el cual se caracteriza por un ambiente musical brillante y una métrica que sugiere el estilo de una balada pop. Su desarrollo a través de modulaciones a diferentes tonalidades hacen que esta obra sea un hilo conductor que nos lleva desde la inocencia hasta la confrontación de los sentimientos, terminando con una atmósfera sonora de tranquilidad sin resolver.

~David Reyes Henao

David Reyes Henao

HeanoNació en Bogotá en 1983. Inició sus estudios musicales a los 7 años, influenciado por su abuelo, el maestro Felipe Henao, quien le enseñó el estudio del piano. Realizó sus estudios formales en la Universidad Sergio Arboleda, de donde obtuvo el título como maestro en música. Ha realizado presentaciones como solista en escenarios como la casa Graw, el museo Nacional y el auditorio de la USA, entre otros. Fue merecedor del premio Sofía de Hernández, otorgado por la Universidad Sergio Arboleda en el 2003 y también fue seleccionado para representar a la universidad en el III festival de música en Cartagena, realizado en el 2009. En diciembre del 2012 realizó un concierto en el Auditorio Los Fundadores, donde presentó la obra “Suite Latina”, pieza de su autoría con arreglos para cuatro teclados y batería/percusión. En la actualidad se desempeña como pianista de diferentes escenas de Bogotá. Su perfil como compositor es nacionalista con una fuerte influencia de la música afro-cubana.
Puede contactar a Reyes Henao por correo electrónico: dreyeshenao@gmail.com

Un canto a la tradición

Los Gaiteros de San Jacinto mantienen viva la tradición oral del Caribe colombiano.

Los Gaiteros de San Jacinto, un legendario grupo musical colombiano, ha mantenido viva, desde su fundación a principios del siglo XX, la tradición oral, la música gaita y el folclor del Caribe colombiano. Los Gaiteros de San Jacinto fueron galardonados con un Grammy Latino por el álbum “Un fuego de sangre pura” en 2007.

En este video, presentado por el colectivo artístico Amplificado TV, el vocalista del grupo Juan “Chuchita” Fernández entona un canto de zafra. Las zafras son cantos de labor típicamente entonados en el litoral caribeño de Colombia, y se caracterizan por el uso de notas agudas y sostenidas, gritos y onomatopeyas.

[alert type=»yellow»]NOTA DEL EDITOR: Un agradecimiento especial a Amplificado TV por compartir su trabajo. Para conocer más acerca de este proyecto, visite www.amplificado.tv[/alert]

 

Entremares Magazine

 

Tango traducido: El desarraigo del tango en ‘Happy Together’

El filme del director Wong Kar-wai realiza con éxito la desterritorialización del tango.

por Suan Pineda
Entremares Magazine

La traducción inexorablemente involucra un desplazamiento. En el caso del tango, la traducción del mismo se puede interpretar como una descontextualización, un desarraigo o una desterritorialización del género. Esto significa que el tango, a través de sus viajes de territorio en territorio (geográficos, artísticos, sociales, temporales) va adquiriendo, como todo viajero, nuevas vivencias e influencias de las distintas realidades con las que se encuentra.

En este escrito quiero analizar el filme “Happy Together” del director hongkongnés Wong Kar-wai dentro del marco de la desterritorialización. Antes de adentrarme en el análisis de esta película, repaso brevemente los viajes (los ires y devenires) del tango y establezco el marco teórico dentro del cual estudio y mido el éxito de esta obra en la descontextualización del tango.

Los viajes del tango desde su nacimiento a finales del siglo XIX en el Río de la Plata son incontables, y su narrativa de desplazamiento es consabida. Sin duda, el viaje más famoso del tango es el que lo llevó a París, donde no sólo adquirió el reconocimiento internacional sino que también le permitió desplazarse en la escala socioeconómica que lo llevó del demimonde porteño a los círculos elitistas europeos y argentinos. La facilidad de viaje del tango, con lo que me refiero a la capacidad del tango de mantener su “integridad” en sus desplazamientos y encuentros con las influencias de los territorios que sirven de anfitrión, ha desembocado en la utilización e incursión del género en territorios y campos que en un determinado tiempo no eran destinos convencionales del tango, como China o el cine. Al hablar de la “integridad” del tango (esta palabra siempre enmarcada entre comillas por sus ángulos problemáticos) me refiero a las características únicas y fundamentales del género, como son (aquí me arriesgo a simplificar) la nostalgia, el desencuentro, la alienación, el deseo, la seducción, la domesticación (con sus antecedentes y ramificaciones), la picardía anclada en la tristeza y la tragedia, la marginalización. Sin embargo, debo señalar que esta habilidad de viajar no hace del tango un género hermético; es más, la desterritorialización y desarraigo del tango inyectan nuevas tonalidades al género, que en el mejor de los casos abren nuevas avenidas de exploración del potencial del tango y refuerzan los elementos característicos del mismo.

El concepto de la desterritorialización (o lo que yo propongo equiparar a la traducción) fue desarrollado por los filósofos franceses Gilles Deleuze y Félix Guattari. En su pensamiento, los conceptos de territorio y contexto se pueden equiparar; así, Buenos Aires es el territorio del porteño tanto como un árbol es el territorio de una rama. Al desterritorializarse, ese algo pierde su contexto. En esa pérdida de contexto y territorio, los filósofos afirman, se abren posibilidades para explorar las potencialidades de ese algo que previamente habían sido restringidas por su territorio. Así, una rama en el territorio del árbol siempre será una rama. Sin embargo, una vez separada del árbol, la rama podrá convertirse en otras cosas, como un bastón, el tacón de un zapato, o un simple y emancipado palo. En otras palabras, un bastón se puede leer como una rama desterritorializada. De la misma manera, se puede analizar los efectos y resultados de los viajes del tango como un proceso de desterritorialización en el que, fuera de su territorio simbólico (el Río de la Plata), el tango se encuentra con nuevas influencias y más posibilidades de autoconocimiento. Quizás el producto más conocido y exitoso del tango desterritorializado son las obras de Astor Piazzolla, quien educado en la música clásica en París e imbuido por el ritmo del jazz, llevó la concepción, composición y definición del tango a territorios inexplorados en ese entonces. En las obras de Piazzolla, la “alteración” del modelo tradicional del tango clásico con la incorporación de elementos del jazz, el uso del contrapunto y la disonancia, no comprometió la “esencia” y la “integridad” del género sino que dio nuevas tonalidades a la experiencia de la nostalgia y la alteridad, por ejemplo. Sin embargo, en su tiempo el músico recibió amenazas de muerte por manipular lo que se concebía como un estándar inalterable del tango. Hoy, medio siglo después del nacimiento del tango nuevo, la obra de Piazzolla es considerada un clásico del tango. Por otro lado, en el área de la danza, el tango ha experimentado cambios en su estadía en otros territorios, como en París, donde sus formas y figuras fueron alteradas para bajar de tono lo que se consideraba como movimientos demasiado sexuales (los abrazos se abrieron, las pelvis se distanciaron).

Una de las instancias que representan el triunfo de la descontextualización y traducción del tango es la migración del clásico “Volver” desde el territorio tanguista hasta el flamenco. La desterritorialización de “Volver” en la voz flamenca de Estrella Morente no resulta en una incongruencia chirriante, sino en la apertura de una posibilidad que hermana a dos géneros musicales con un pasado en común poco conocido. El logro del “Volver” de Morente radica en la identificación de las características esenciales del tango, y subsecuentemente en la explotación de las mismas a través de las técnicas del nuevo territorio (el flamenco, en este caso). Así, el carácter de la voz en la enunciación del coro “Volver” aunque está firmemente arraigada en el flamenco no traiciona o malinterpreta el gravitas de la versión original o el sentir del tango.

Estos breves ejemplos ilustran los viajes del tango y los cambios que ellos conllevan, y ayudan a matizar el análisis del desarraigo del tango en “Happy Together”. En esta cinta, la descontextualización y la mezcla de contextos y territorios (geográficos, temporales, sexuales) concede leves aunque significativas tonalidades a los pilares emotivos que sustentan el tango.

“Happy Together,” una película que cuenta el desencuentro de dos amantes chinos en Buenos Aires, captura con sorprendente precisión la melancolía tan característica del tango, y, a pesar de los numerosos desplazamientos realizados en el filme (de los personajes que viajan de Asia a Sudamérica, del tango Piazzollano que regresa a Buenos Aires, el desplazamiento y viaje del deseo entre dos cuerpos incompatibles, la oscilación del poder dentro de la dinámica del amor y el deseo), el tono de la cinta no pierde de vista que el centro emotivo que lo sustenta es uno moldeado por el gravitas, la idiosincrasia y la estética del tango.

Por ejemplo, el juego de colores, eso es la variación de encuadres y escenas en blanco y negro, sepia, monocromáticos y a color, se guía, propongo, por uno de los ejes del tango: la manipulación del tiempo. Cada color, y sus respectivos contrastes, apunta a una experiencia de momento y de tiempo, y la emoción que le tiñe de significado. Eso es, un pasado infeliz, de peleas y engaños, tiene el mismo tinte gris que un hoy desesperanzado cuando el personaje principal Lai Yiu-fai (interpretado por Tony Leung), dejado a la deriva por su amante (Ho Po-wing, interpretado por Leslie Cheung) en una ciudad desconocida y alienadora, contempla la escena que tiene frente a sí:  fuma un cigarrillo en una acera húmeda frente a un club de tango para turistas donde trabaja de portero. El pasado se convierte en presente, el presente sabe a pasado. En este incesante circular entre los tiempos existe el impulso de subvertir el aparente orden lineal del tiempo, y así poder cambiar eventos pasados o escapar del presente.

La desterritorialización del tango en los cuerpos que lo practican y viven (los cuerpos de los protagonistas tienen una alta carga simbólica una vez aparecen en la pantalla: son chinos, son gays, son inmigrantes) en “Happy Together” no solamente traduce y traspone las especificidades del tango a una plataforma universal, sino que también pone en un contexto contemporáneo las condiciones sociales y emocionales que dieron nacimiento al tango: la alienación, la extrañeza, el espanto. Sí, en “Happy Together” el tango está físicamente dentro de las coordenadas geográficas de su territorio simbólico. Sin embargo, este tango, el “Tango apasionado” de Piazzolla que sirve de leitmotif musical en la cinta, es uno que aún manteniendo su médula se ha transformado en sus viajes de Buenos Aires a París, de Hong Kong a La Boca, del hoy al ayer. Ante todo, el logro de “Happy Together” reside en su habilidad o reticencia a jugar con el tema del exotismo. Así vemos, por ejemplo, la transposición de localidades y posicionamientos: para Buenos Aires, los chinos son exóticos; para los amantes chinos, Buenos Aires es extranjera; para ambos, los dos son extraños. La realización de la extrañeza de uno mismo, dentro de sí, es uno de los logros más profundos de la descontextualización del tango en “Happy Together”. Sin embargo, desde una perspectiva general, el mayor triunfo de “Happy Together” en la descontextualización del tango es la apertura de nuevos territorios de expresión y exploración que mantienen la vigencia de un género centenario al concederle una tonalidad posmoderna de la nostalgia y melancolía ambientada en las disyuntivas de nuestra generación. El tango en “Happy Together” es y es más que tango; es la canción triste de Buenos Aires, es el sonido triste de una generación en crisis.

Cocoa Roots: ‘Música para tu conciencia’

La banda ecuatoriana siembra semillas de paz a ritmo de calle. Escuche su primer disco aquí.

por Suan Pineda
Entremares Magazine

Cocoa Roots tiene una misión: sembrar paz. Parece una propuesta ambiciosa, pero este grupo ecuatoriano que fusiona el reggae, el hip-hop y los ritmos andinos hace de la música con conciencia una propuesta refrescante y alcanzable. Los esfuerzos de la banda ya están rindiendo frutos: han lanzado su primer disco “Semillas” (que puede escuchar en Entremares Magazine o descargar gratuitamente en www.cocoa-roots.com), el video del sencillo “Mi barrio” ha ganado difusión en MTV Hits, y han colaborado con músicos en España y Latinoamérica. Integrado por Mauro Durasno, Mijael Proaño, Edison Cuases, Alexis Proaño y Elder Cuases, Cocoa Roots se inspira en la cotidianidad y aspira — como se refleja en sus letras — a un mundo de igualdad y paz. En una conversación por email, el integrante de la banda Alexis Proaño conversa con Entremares Magazine acerca de la visión y proyección de Cocoa Roots.

Cocoa Roots banda

Cocoa Roots: “Semillas”

Escuche el primer disco de Cocoa Roots, «Semillas», aquí.
Si desea descargar el álbum completo y conocer más acerca de la banda ecuatoriana, visite www.cocoa-roots.com.

  1. Somos [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/01Somos.mp3]
  2. Pa la calle [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/02Pa_la_calle.mp3]
  3. Volver a ser niño  [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/03Volver_a_ser_nino.mp3]
  4. Vive reggae feat Jah Nattoh  [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/04Vive_reggae.mp3]
  5. Mi barrio [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/05Mi_Barrio.mp3]
  6. Trip_ando [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/06Trip_ando.mp3]
  7. Realidad [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/07Realidad.mp3]
  8. Levántate [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/08Levantate.mp3]
  9. Oye [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/09Oye.mp3]
  10. Semillas [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/10Semillas.mp3]
  11. Sin dejar de ser quien soy [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/11Sin_dejar_de_ser_quien_soy.mp3]
  12. Vida ilegal [audio:http://entremaresmagazine.com/audio/cocoa/12Vida_ilegal.mp3]

Entremares Magazine (EM): ¿Quién/qué es Cocoa Roots? ¿De dónde viene el nombre del grupo?
COCOA ROOTS: Somos una agrupación musical nacida en Quito, Ecuador, que a través de la fusión de géneros (reggae, rap, dancehall) y de sus líricas (temática de conciencia social) pretendemos rescatar los derechos, principios y valores, además de los instrumentos andinos propios de nuestra región para aportar … a este mundo … falto de respeto, tolerancia y sobre todo de conciencia y amor. De ahí se deriva el nombre Cocoa Roots. Somos las raíces, somos lo autóctono, lo propio, pero con una visión del mundo muy amplia y crítica; es por eso que hemos utilizado una palabra en inglés para llegar a más gente, a más naciones.

EM: ¿Qué los inspira?
COCOA ROOTS: Nos inspira Dios, nuestra familia, nuestra madre Tierra, la naturaleza en general, luchamos y creemos en la verdad, la libertad, el respeto, la tolerancia, los derechos humanos, y sobre todo el amor y la ayuda al prójimo. También nos motiva escribir y componer [sobre] fenómenos y problemas sociales que acontecen en nuestro país, en toda Latinoamérica y [en el] mundo, como son la pobreza, el abuso policial, la discriminación, el trabajo infantil, la mendicidad, la prostitución, la violencia, la inseguridad.

Y es por eso que cansados de ver tanta desigualdad, tanta injusticia, tanta corrupción nos hemos unido para que por medio de nuestra música podamos dar un mensaje: siempre se puede ser mejor, sí se puede ser bueno.

EM: La música de Cocoa Roots fusiona entre otros ritmos el reggae, el hip-hop y la música andina. ¿Existe un común denominador entre estos géneros? ¿Qué aporta cada uno de estos géneros a la identidad y propósito de Cocoa Roots?
COCOA ROOTS: Reggae: conciencia. Hip-hop: protesta. Andina: rescate. Los tres expresan sentimientos y vivencias. La filosofía y los orígenes que tiene esta música con energía de protesta… busca consolidar criterios para llegar con consejos claros y precisos a la sociedad. Los tres géneros nacieron de la lucha y resistencia y se mantienen como una voz, un grito de protesta por la libertad, por la expresión, por rescatar y resaltar lo nuestro, por un mejor mañana, por un mundo educado, feliz y en paz.

EM: ¿Qué papel tiene la calle en la música y el arte de Cocoa Roots?
COCOA ROOTS: La calle es muy importante porque ahí se desarrolla la vida, de ahí tomamos las vivencias, la calle es nuestra inspiración, la calle recopila nuestros pasos, es fiel testigo de nuestros buenos y malos momentos, y esto comprende todos los estratos sociales, todas las personas en general han pasado, pasan y pasarán por una calle.

EM: En su single «Mi barrio» existe una corriente de mensaje social. En general, ¿cuál es el mensaje de Cocoa Roots?
COCOA ROOTS: En “Mi barrio” y en todos los temas buscamos dar un mensaje directo y claro a la sociedad, criticando pero a la vez ofreciendo posibles soluciones para resolver inconvenientes personales, grupales, y que a la vez se convierten en [problemáticas] mundiales, y ayudar a rescatar al núcleo de la sociedad: la familia. Nuestra música es gratis, es libre, y transmite energía positiva para levantar el ánimo, la autoestima, [para] mejorar y recuperar los valores que poco a poco por diferentes cuestiones hemos perdido.

EM: Se formaron en el 2007. En estos seis años de existencia, ¿existe alguna anécdota que destella en su memoria?
COCOA ROOTS: Estamos convencidos de que todos y cada uno de los instantes que nos brinda la vida son importantes, tanto los buenos por la risa y la satisfacción que ésta nos brinda al estar bien, el sentirse bien, el pasar bien, sea solo, con la banda, con la familia, pero también los malos momentos porque nos ayudan a superar y vencer obstáculos, para ser más fuertes, para aprender y ya no volver a incurrir en el mismo error, para ser mejores.

Vulneración

Una conjunción de danza, música y pintura, “Vulneración” es una obra plástica, sonora, táctil, visual, de acción y transgresión.

Vulneración es un proyecto realizado en tres técnicas, creada cada una para que en un punto culminante de la obra pudiesen interactuar, entrar en juego y transgredirse entre sí.
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Las técnicas o fases básicas de este proyecto son, en su debido orden, la creación musical, la danza y la pintura. La obra plástica o resultado final del proyecto consiste en la trayectoria y la fuerza que ejerció el sonido en dos cuerpos blancos, sobre un espacio del mismo color, para plasmar la intencionalidad musical. La expresión de la pintura es el reflejo y el impacto de los cuerpos que están siendo vulnerados por la música. Tanto en la pintura como en la música y el cuerpo existen diferentes calidades de movimiento que son el reflejo y/o la intención de un sentimiento. En este caso, estos tres sentimientos se abren y se exponen el uno frente al otro para crear un momento y un resultado donde el límite entre una expresión y la otra no es más que un espacio interpretativo del espectador.

  • Creación  y Dirección: Maritza Arango
  • Bailarinas: Verónica Toro y Maritza Arango
  • Música, creación colectiva:
    • Teclado: Manuel Moreno
    • Saxofón: Oscar Vanegas
    • Guitarra: Diego Tarazona
    • Contrabajo: Felipe Rubiano
    • Percusión: Diego Rueda

Maritza Arango

Maritza ArangoMaritza Arango estudia arte y diseño de espacio en la Escuela Normal Superior de Artes Aplicadas en París. También ha realizado estudios de bellas artes y artes visuales en la Universidad Industrial de Santander y la Universidad Javeriana de Bogotá.

Siempre ha estado involucrada en el mundo del arte, estudiando diferentes técnicas como la escultura, la danza, la fotografía, la instalación y la escenografía. Ha trabajado en la preservación del patrimonio artístico y la difusión cultural en Colombia y Francia.

Jorge Porras: Pintor

El pintor ecuatoriano Jorge Porras Olmedo es un creador de mundos fantásticos con un énfasis en los personajes, que nos remiten a evocaciones universales. Pintor, retratista, muralista, ilustrador e lirbos, catedrático realiza proyectos culturales con su obra.

[alert type=»yellow»] Este es el sitio web del pintor: jporras.com [/alert]